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本报记者黄松编译

美国女艺术家乔治亚·奥基夫(1887-1986)以其半抽象半写实的绘画而闻名。她的微观花卉、岩石纹理、海螺、动物骨骼和荒凉的美国内陆景观构成了独特的视角。然而，近年来大量新发现的摄影作品揭示了这位现代主义艺术家职业生涯的另一面。

该报获悉，7月3日，“乔治亚·欧姬芙，摄影师”展览在丹佛艺术博物馆开幕。当欧姬芙在20世纪50年代中期专注于摄影时，她的创作身份和独特的艺术风格已经确立。摄影展示了艺术家对自然循环和变化的持久迷恋，而展览则是对欧姬芙视觉隐喻的致敬。

托德·韦伯，带着相机的欧姬芙，1959年，明胶银盐

1922年，欧姬芙若有所思地说，“我被拍了很多照片。”作为传奇摄影师阿尔弗雷德·斯蒂格里茨最喜欢的模特，她经常出现在他的镜头前，在他们结婚两年后，她仍然是频繁摄影的对象。直到斯蒂格利茨在1946年去世，欧姬芙是他大约330张照片的焦点。

摄影师斯蒂格利茨和画家欧姬芙的故事众所周知，但很少有人知道欧姬芙在相机背后的大量工作。欧姬芙对自己的摄影实践守口如瓶，除了在她出版的作品和一些作为明信片寄给朋友的照片中简短提及。展览观众被迫从另一个角度解读欧姬芙。

欧姬芙，甘蔗地和云，1939年3月，明胶银盐

这次展览起源于乔治亚·欧姬芙博物馆档案馆保存的一盒印刷品。当休斯顿艺术博物馆的摄影策展人丽莎·沃尔佩(Lisa Volpe)第一次看到这个盒子，得知里面的东西从未过时，她就开始研究它。经过三年对400多幅作品的分析，沃尔普确认欧姬芙是他们的创造者。延伸到其他博物馆的发现——包括纽约大都会博物馆，欧姬芙似乎匿名捐赠了七张签名照片——让沃尔普得出结论:“欧姬芙认为摄影是一种重要的艺术表达方式”。

也许是摄影师丈夫的潜移默化的引导，让她在50年代拿出了徕卡相机。摄影“一直是我探索的一部分”，“但我目前可能对摄影有偏见。”

欧姬芙，骷髅，幽灵牧场，1961-1972，明胶银盐。

艺术史学家此前已经注意到欧姬芙早期绘画中包含的摄影特征。当艺术家用摄影的头脑考虑他们的作品时，他们可以看到更多。欧姬芙经常把自己的图像框起来，就像通过取景器看到的那样，这是相机强加给摄影师的一种形式，也是画家在画布上工作的一种选择。“我经常在想，如果他是画家，画画会怎么样？”欧姬芙在他1922年的文章中描述了斯蒂格利茨。她在20世纪20年代和30年代的绘画实践可能是她寻找答案的尝试。

当然，欧姬芙的绘画远不止斯蒂格利茨的影响。她的摄影作品揭示了她看待事物的方式，展示了她艺术视野的另一个维度，不同于她自己的画作和摄影师的丈夫。

欧姬芙，黑沙滩，1939年3月，明胶银盐

作为第一位在纽约艺术界赢得高度赞誉的女性之一，欧姬芙对自然世界简单而深刻的描述使观众从传统的具体事物中看到了抽象。过去的许多展览都集中在她的绘画上，但这次展览将她的摄影、精选的绘画和她的摄影师朋友托德·韦伯(1905-2000)拍摄的照片并列。相机的正面和背面就像一幅艺术拼贴画——她以照片为灵感，以另一种方式捕捉自然图像。她将摄影融入其他艺术类别，展览体现了摄影和绘画的互补方式。

欧姬芙，曼陀罗，1964-1968，明胶银盐。

欧姬芙，《吉姆森野草》:百花一号，1932年，布面油画。

从创作时间来看，欧姬芙的摄影作品有时是在绘画后很久才拍摄的，大部分是为了取悦自己:她为朋友拍摄拍立得照片、一扇门、一架梯子或一条道路的照片，相机捕捉她心爱的美国西南部的自然风光，甚至她在纽约的住所也装饰着标志性的西部景观图腾。

《羚羊》(1943-1946)等作品表现了欧姬芙对自然的热爱。雪、阳光、灌木…她在新墨西哥州的家附近拍摄了许多场景。这些照片不仅是她生活风景的时间胶囊，也是她的冒险经历:犹他州和亚利桑那州的格伦峡谷(祖尼人人的圣地，他们认为那是人类出现的地方)，毛伊岛的黑沙滩，50年代的纽约风光。

欧姬芙，从酒店窗口看克莱斯勒大厦，大约1960年，明胶银盐

欧姬芙似乎不擅长技术。她需要依靠专业摄影师来架设相机，冲洗照片。根据沃尔普对展览中作品的顺序和主题的研究，欧姬芙会拍摄许多角度略有变化的环境照片，并且会在一天的不同时间和不同季节拍摄相同的主题。这种方法类似于莫奈的《睡莲与干草堆》。尽管策展人将其与莫奈的经典作品相提并论，以证明欧姬芙作为摄影师的艺术地位，但重复和调整可能更像是一个业余爱好者习惯相机的过程。

欧姬芙，北梯田走廊，1956-1957，明胶银盐

称欧姬芙为业余爱好者并不是贬低她。大多数情况下，她的相机就是绘画的取景器。欧姬芙拍摄的西南环境照片与她的绘画并列在一起。绘画极少，有时未完成；摄影不像其他艺术作品那样给人以强大的视觉体验，但是，它们在形式和功能上提供了欧姬芙的感觉，也可以看作是不同媒介的绘画。

欧姬芙，萨利塔门，天井，1956-1957年，明胶银盐。

欧姬芙，《云顶》，1956年，布面油画。

快门不仅仅是欧姬芙的“机械画笔”。至少在某些情况下，她对设备的不熟悉让她对熟悉的东西有了新的认识。”我用相机拍了两三张照片。”她在1976年的自传中写道，“为了拍下其中一张，我把相机转到一个尖角，拍下了整条路。偶尔的拍摄让这条路看起来立了起来，但又让我觉得很有趣，我开始把它画成新的形状。”在绘画中，她将偶然拍摄的图像塑造成自己的标志性符号。

欧姬芙，梯子靠着工作室的墙，1959-1960。

正如展览墙上的文字所解释的，欧姬芙对“审美秩序和情感表达”的兴趣在她的所有作品中都得到了证明。展览最吸引人的是，近40年后，她将《小紫金山》(1934)等作品变成了照片。这种感觉是很神奇的，摄影所表达的影像，即使在绘画几十年后，依然令人眼前一亮。

欧姬芙，车库和工作室门，1956年7月，纽约大都会博物馆在1977年收到的匿名捐赠，

从20世纪50年代到70年代，欧姬芙拍摄了各种图像，其中许多是室内和自然世界的光、影和几何尺寸的实验。她拍摄的窗框、梯子、道路，把你的想象带到地平线上的漫漫长路，让人重新思考和观察我们周围世界的意义。

(注:本次展览由休斯顿艺术博物馆(MFAH)与乔治亚·欧姬芙博物馆合作举办，将持续至11月6日；本文由《休斯顿》杂志作者多尼·威尔森和《福布斯》杂志作者黄邦贤·济慈对展览的评论汇编而成)

编辑:顾

校对:蒙銮